현지연수일이다.

수업 끝나고 동학년 선생님들이랑 르누와르전을 보러갔다.

가장 가까운 거리에서 일상을 함께 하는 사람들과  

일상의 행복을 그린 화가의 그림을 보러갔다.

한바퀴를 돌고 도슨트의 설명을 들으며 또 돌았다.

투덜대고 징징 짜는 사람보다 환한 사람이 좋다.

난해하여 머리가 더 복잡해지는 것보다 즐겁고 경쾌한 게 좋다.

전시장 벽면은 파스텔톤으로 꾸며져 있고

그림 속 색채는 파랑 노랑 주황 초록 밝고 환하였다.

그림 속 사람들은 친구나 가족 친근한 주변사람들이며

아내와 아들들을 아끼고 사랑한 무척 가정적인 화가였다.

머리에서부터 발끝까지 마음에 든다.

전시회를 압축시킨 첫 벽면에는 세 작품이 전시되어 있었다.

 좌 그네와 우 토르소를 거느리고

시골 무도회  제왕의 위엄을 발하며 방그레 웃고 있었다.

그림 사이사이 나의 시작품을 세워보았다.

그네, 1876년, 캔버스에 유화, 92x73㎝, 오르세미술관 소장

화창한 날이다.

햇빛은 나무 사이로 스며들어 얼굴과 옷 위에서 잘게 부서지고, 밝은 색 점들과 푸른색과 자주색이 섞인 어두운 점들이 한데 어우러진다.

몽마르트의 주민이자 코르토 거리 지척에 위치한 물랑 드 라 갈레트의 단골손님이었던 잔느(Jeanne)가 그림 속의 여주인공이 되어 그네 위에 올라서 있다.

왼쪽에는 여름용 밀짚모자를 쓴 두 남자가 대화 중이고 어린 소녀는 잔느를 바라보고 있다.

뒤 배경에는 4명의 인물들이 담소를 나누고 있다.

“얼마나 고요하고 평온한 광경인가!” 그림 속의 인물들은 모두 진정한 한량들이다.

이 젊은이들은 어떠한 욕심도 없이 그저 그들의 삶과 쾌청한 날씨, 그리고 풀잎이 비추는 아침 햇살을 즐기고 있을 뿐이다.

이들에게 무슨 걱정이 있으랴!

 행복, 이 매혹적인 그림을 보는 사람들의 머리 속에는 오직 이 한 단어만이 떠오를 것이다.

“이제까지 이보다 더 행복한 그림은 없었다.”

작품의 전 제작 과정을 지켜보았던 르누아르의 친구 이자 기자인 조르주 리비에르는 감탄했다.

이 작품은 르누아르가 인상파에 속했던 1870년대 후반에 제작된 그림들 가운데 가장 뛰어난 작품이었다.

르누아르는 인물의 옷에서도 볼 수 있듯이 현대적 삶을 주제로 택했다.

그가 보여준 과감한 색채 실험은 1877년 뭇 평론가들로부터 지탄의 대상이 되기도 했다.

보색대비, 반짝이는 어두운 색깔의 점들과 윤곽선을 사라지게 할 만큼 강렬한 빛은 당시 충격으로 다가왔다.

르누아르는 일상의 행복을 그린 화가였다.

“그림은 사람의 영혼을 맑게 씻어주는 환희의 선물이어야 한다”는 예술철학과 함께

가족과 친구들의 생활을 언제나 주의 깊게 관찰하고 삶의 가장 행복한 순간을 포착해냈던 예술가로 기억되고 있다. 

                                                                 [명작, why?]오귀스트 르누아르 - 삶의 가장 행복한 순간을 포착해냈던 예술가. 김태곤<대백프라자 갤러리 큐레이터>

 일상 

산골짝 깊은 계곡 청솔향 별빛 그리워 하지만
크고 작은 짐더미에서 마음 잔잔해지는 법 배운다.

맑은 눈망울 고운 선 여린 음 원하지만
지치고 세찬 여울 거슬러 오르는 연어 보는 법 배운다.

평탄하고 잘 손질된 큰 길 가고 싶지만
이리 저리 굽이진 길섶에서 민들레 엎드려 피는 법 배운다.

한눈 뜨고 꿈꾸며
맡겨진 그 날 까지 오늘 여기 씨앗 하나 정성스레 심는다.  

시골 무도회 ,1883년  , 캔버스에 유화, 180 x90㎝, 오르세미술관 소장

젊은 남자의 팔에 안겨 춤을 추고 있는 여인의 은근한 시선이 마치 관람객을 바라보는 듯하다.

여인의 발그레한 뺨, 바닥에 떨어진 남자의 모자에서 시골무도회의 흥취가 느껴진다.

이 여인은 훗날 르누아르의 아내가 된 알린느 샤리고, 남자는 르누아르의 친구로 기자이자 작가였던 폴 로트이다.

1870년대 말 인상주의에 회의를 느끼던 르누아르는 1881년 이탈리아 여행에서 라파엘로의 작품을 보고 큰 감동을 받아 새로운 회화 기법을 시도한다.

‘시골무도회’의 뚜렷한 윤곽선과 인물 형상에서는 그 영향이 보인다.

르누아르는 1883년 ‘시골무도회’와 ‘도시무도회’, ‘부지발의 무도회’ 등 춤을 소재로 한 그림을 잇따라 그렸다.

그 중 ‘시골무도회’와 ‘도시무도회’는 똑같은 크기로 제작됐지만, 분위기는 정반대다.

차갑고 우아한 느낌의 ‘도시무도회’에 비해 ‘시골무도회’는 따뜻하고 활기찬 서민적 분위기를 한껏 뿜어낸다. 

                                                                    [한국일보] [르누아르 지상갤러리] 시골 무도회에서 인용

 눈을 감아야만 보여요.
귀를 막아야만 들려요.
세상의 볼 것과 들을 것이 타오른 자리
재 속에 묻힌 불덩이, 당신

습작. 토르소, 빛의 효과, 1875~6년, 캔버스에 유화, 81x65㎝, 오르세미술관 소장

'햇살 속의 누드'라는 제목으로 더 유명한 이 그림은 르누아르가 1876년 제2회 인상파전에 출품한 것이다.

오후의 변화무쌍한 햇빛이 나뭇잎에 여과된 모습이 여인의 살결 위에 고스란히 나타난다.

힘찬 터치로 자유롭게 표현된 푸른 배경 속의 이름 모를 모델은 마치 자연의 일부분인 듯하다.

이 작품은 하나의 오브제를 불변하는 것으로 한정시키지 않고

주변 환경이나 빛에 따라 달라지는 모습을 화가의 감각과 결합시켜 표현하고자 했던 인상파의 특징을 잘 보여주는 걸작이다.

발표 당시 이 작품에 대한 평가는 혹독했다.

르 피가로 지는 “완전히 부패한 상태의 시체에서 나타나는 녹색과 보라색 점으로 뒤덮인 살덩어리”라고 썼다.

그러나 채 10년이 지나지 않아 평가는 180도 달라졌다.

프랑스의 소설가이자 비평가인 옥타브 미르보는

 “여성의 피부가 지닌 신선함, 빛, 삶, 설득력을 놀랍도록 훌륭하게 포착해낸,  가장 아름다운 현대미술의 걸작”이라고 평했다.

                                                                                                  [한국일보] [르누아르 지상갤러리] 습작. 토르소, 빛의 효과에서 인용

오월 풍경 중

이건 장미란다
장~미

손주이리라
꽃잎처럼 여민 포대기
품에다 고이 안고
계절과 입맞춤 시키는
곱게 저물어 가는 여인

그 여리디 여린 것에
애써 새기고 싶은 건
향
기
였을까  

피아노 치는 소녀들(116x81cm 캔버스에 유화 1892)

두 소녀가 함께 악보를 보며 피아노를 치는 데 열중해 있다.

흰 원피스를 입은 금발머리 소녀는 직접 피아노 건반을 두드리고 있고, 붉은 옷의 갈색머리 소녀는 피아노에 팔을 걸친 채 조언을 하는 듯하다.

이들의 모습은 마냥 행복하게만 느껴진다.
이 그림은 오랜 고생 끝에 화가로 명성을 얻은 르누아르가 처음으로 프랑스 정부의 의뢰를 받아 심혈을 기울여 만든 걸작이다.
르누아르는 당시 정부 주문으로 '피아노 치는 소녀들'을 4점 제작했다.

이 작품 외에도 비슷한 그림들이 오르세미술관과 메트로폴리탄 뮤지엄 등에 있다.

작품마다 꽃병의 유무, 커튼 모양 등이 차이를 보인다.

                                                                               아시아투데이 [투데이갤러리]르누아르의 '피아노 치는 소녀들'에서 인용

 마음

마음 가닥 올올이 뽑아
열두 줄로 매어
가지런히 튕구고 뜯고 하니
혼란된 생각의 소용돌이
잔물결 속에 잠들고
무한우주가 열리네.
청아한 음
깊은 곳에서 울려오네.

묵향 

스쳐 지나는 생각
손닿을 듯 가까이 있으나 아득히 먼 사람
혼자 피었다 지웠다 여무는 시간
먹과 함께 정성스레 갈아내어
획을 긋는다
쫓기며 성급하게 돌던 바큇살
붓끝으로 감겨들어
소리 죽이고 숨 고르며
바람에 꺾어지고 닳아진 점도
욕심없이 윤기 머금고
시린 땀방울
행간에 고여들어
말간 물로 걸러나온다

오후 5시에서 5시 10분 사이

겹겹이 둘러쳐진 투명한 사슬
모성의 속성
아내의 이름
직장인의 겉옷을 벗어버리고
엄마의 딸의 모습으로
꿈꾸던 시절의 나로 돌아가
마우스 피스에 입술을 댄다.
은빛 소용돌이를 만들며
모습 드러내는
잊혀져 가는 소중한 것들
로렐라이, 고엽, 들장미, 하얀 연인들, 솔베이지의 노래......
창문너머 나뭇잎 음정 따라 흔들리면
내 몸은
땅의 소리에 익숙해질까 두려워
여리게 여리게 떨리어 오곤 한다.

광대 복장을 한 코코(1909),120x 77cm ,캔버스에 유화, 오랑주리 미술관

그림 속에는 빛나는 금발 머리와 새하얀 얼굴에 복숭아빛 뺨을 가진 귀여운 아이가 등장한다.

하얀 타이즈를 신고 붉은 원피스를 입은 이 아이는 남자인지 여자인지 잘 구별이 가지 않는다.

이 어린이는 '코코'라 불렸던 르누아르의 셋째아들 클로드다.

 화가는 클로드에게 붉은색 광대 의상을 입히고 그림을 그렸다.

하지만 실제 클로드는 풍선 모양의 원피스 같은 광대 옷을 무척 입기 싫어했다고 한다.

당시 클로드가 입었던 광대 의상은 아직도 남프랑스 카뉴쉬르메르에 있는 르누아르의 집에 고스란히 보존돼 있다.

르누아르는 이 작품 외에도 그가 아끼고 사랑했던 가족의 초상을 여러 점 그렸다.

                                                                                     [아시아투데이] [투데이갤러리] 르누아르의 '광대 복장을 한 코코'에서 인용

아이가 벗어놓은 옷 얼룩 속으로
세상이 비집고 들어오고

무릎의 빛나는 생채기만큼
세상은 아이를 받아 들이고

나는 향비누 한 장 꺼내들고
포로롱 새 한 마리 날려 보낸다

가브리엘, 장 르누아르와 어린 여자아이 (1895-1896),54.5 x 74 , 파스텔, 베르넴-젼느 갤러리, 파리

둥지

날짐승 제 둥지 깃들 때 쯤
채 돋지도 않은 날개로 나는 연습하고 온
조그만 아이에게
시린 등을 내민다.
불안스레 떠돌던 핏줄은 어느새 제 흐름을 찾고
겨자씨만 하게 살 속에 숨어있는
외로움 이라든가
두려움 이라든가를 손으로 어루만지며
겨자씨만 하게 뼛속에서 불어오는
벌판의 바람을
낮은 노래로 달래며
풀이름, 나무이름 부르며
한 포기 풀이 되었다
한 그루 나무가 되었다 한다.
내가 자란 둥지를 흉내내며
내가 자란 둥지를 그리워하면서

"줄리 마네의 초상" 1898, 55x 46cm ,캔버스에 유화, 마르모땅 모네 미술관

 수련

처음에는
꽃송이에 마음을 뺏겼지요
청결한 고귀한 우아한

다음에는
흔들리고 있는 잎이 보였지요
가시달린 숨가쁜 물결모양의

이제는
뿌리가 만져지네요
마디 굵어진 세월을 버티어 낸
구멍 구멍 빠져나간 스산한 바람이

<앙리오 부인> 1876,65 x 50cm, 캔버스에 유화, 워싱턴 국립 미술관, 미국

르누아르가 "하늘에서 온 천사 같았다"고 찬사를 보낸 이 여인은 당시 파리 연극계 최고 스타였던 코메디 프랑세즈 극장의 배우 앙리오 부인이다.

여러 차례 앙리오 부인을 화폭에 담았던 르누아르는 이 그림에서는 섬세한 붓터치와 디테일을 배제시킨 단순한 표현으로 창백한 피부와 풍만한 몸매를 강조했다.

그러나 이 여인의 아름다움은 화염 속에 사라져버리고 만다.

극장에 가스 폭발 사고가 일어났을 때 강아지를 찾으려다 비극적인 최후를 맞은 것이다.

르누아르의 아들 장은 회고록에서 "아버지는 40년 후에도 앙리오 부인의 죽음을 떠올리며 '그 망할 놈의 중국산 강아지 토토 때문에!'라고 한탄하곤 했다"고 썼다. 

                                                              [한국일보] [르누아르 지상갤러리] 앙리오 부인에서 인용

고사목

선 채로
기다리다
돌이 되기에는
영원을 기약할 수 없고
한순간 잊혀지기에는
한이 남아
꼭하니
살아온 세월만큼만
더
아파하고
그리워하다
스러지는 영혼들

귀걸이 하는 젊은 여인 (1905), 55.3 x 46.4 , 캔버스위에 유화, 콜리블랜드 미술관, 미국

붉은 장미와 여인의 발그스레한 볼, 그리고 목걸이와 배경의 녹색이 서로 조화와 대비를 이룬다.

                                                                      [한국일보] [르누아르 지상갤러리] 장미를 든 가브리엘 에서 인용

코스모스

낯선 길
흘러 흘러 가다
길목 길목에
어디선가 본 듯한
언젠가 만난 듯한 이
바람결에 나부끼며 서있어
손짓하며 언덕바지 되어 서있어
지나온 세월 묻지 아니하고
연약한 또한 강인한
쓸쓸한 또한 어우러진
높거나 낮은 음 함께 울리는 이
이정표 되어 기다리고 서있어

샤를르와 부르주 뒤랑-뤼엘 (1882) 65 x 81 ,캔버스에 유화, 뒤랑-뤼엘, 파리

포도송이

어쩜 이리도
골고루 사랑을 받았을까
누가 더하지도
누가 덜하지도 않은
넘치지도
모자라지도 않은

어쩜 이리도
주는 사랑
바르게 느끼며 살아왔을까
모나지 않고
안달하지 않고

서로를 부축하며
먼 길 잘 왔구나
앞서거니 뒤서거니 하며
오래도록, 깊은, 뜨거운
거친 숨 서로 나누며
잘 견디며 왔구나

나발 불며 기다리는 환호 없어도
주어진 길 말없이 묵묵히 그렇게

바느질하는 마리-테레즈 뒤랑-뤼엘(81.2x66cm 캔버스에 유화 1882)

이번 전시작 가운데 가장 색채가 아름다운 것으로 꼽히는 작품.

당초 미국 클락미술관에서 복원이 진행 중이라 전시 합류가 불투명했지만, 극적으로 전시 직전 복원이 끝나 한국으로 왔다.
 

                                                                       [아시아투데이] [투데이갤러리]르누아르의 바느질하는 마리-테레즈 '에서 인용

르누아르의 작은 초상 (1918)

20 x 30 , 마분지에 유화

알베르 앙드레 미술관, 파리

 해바라기

산마루에서 내려보는 길은 구절양장
곁눈 팔 새 없이 헤쳐온 오직 한 길

땀방울에 삭아 구멍난 어깨 딛고
꽃잎 한 장, 조심스레 고개 든다.
줄지어 엎드려 있던 꽃송이
더디나 또박또박 걸음 내딛는다.

끝이 없어, 끝이 없어,

기침 해소 마른 소리

무게를 이기지 못한
그 앙상한 생애
소용돌이 속으로 사라지는 순간
채 철들지 못한 별똥별 와르르 쏟아진다.

가족을 그리는 르누아르 (1901), 46 x 50, 캔버스에 유화, 가로 미술관, 파리

후배 화가인 알베르 앙드레는 르누아르의 말년을 가장 가까이서 지켜본 절친한 친구이기도 했다.

르누아르가 류머티즘으로 마비된 손에 붓을 끼운 채 그림에 대한 의지를 표현하고 있다. 

포인세티아

눈보라 치는
벌판을 계곡을 넘나들 적 그리는 것은
창 밖에서 기웃거리며
몇 개의 성냥개비로 몸 녹이며 꿈꾸던 것은
저 두 빛깔이리라

직선과 곡선이 잇닿아
웃음과 눈물이 엇섞여
모락모락 김을 올리고
옹기종기 이야기 꽃을 피우는

을씨년스러운 잿빛 찬바람도
그 곁에 서노라면
어느새
험하고 거센 제 성질 죽이고
그 기운에 감전되어
두 볼 바알갛게 물 드나니

이 계절
후미지고 허름한 가슴 한켠에 놓아두고서
조용하고 평화로운 정열의 곁불을 쬐리.

뉴스한국]‘행복을 그린 화가, 르누아르전’

 ‘행복을 그린 화가, 르누아르전’
[ 김선화 기자 ]

2009년 5월 28일부터 9월 13일까지 서울시립미술관에서 ‘행복을 그린 화가 르누아르(Renoir) 회고전’이 열린다.

이번 전시회는 그 규모와 전시작의 우수성을 고려할 때 1985년 파리 그랑 팔레에서 열린 ‘르누아르 회고전’ 이후 최대 규모다.

세계 40개 공공미술관과 개인 소장가에게 대여 받은 작품 120여 점이 대중에게 선보인다.

이중 르누아르의 걸작으로 꼽히는 <그네> <시골 무도회> <피아노 치는 이본느와 크리스틴느 르롤> <광대복장을 한 코코> <샘>등이 있어 주목된다.

국내 최초로 소개되는 르누아르전은 <일상의 행복> <가족의 초상> <여성의 이미지> <욕녀(浴女)와 누드> <르누아르와 그의 화상들> <알베르 아드레가 본 르누아르> <풍경화와 정물화> <르누아르의 종이작품>의 8개의 특징적 주제로 구성되었다.

또한 이번 전시회는 관능미와 유연한 터치가 본질을 이루는 르누아르의 예술적 특징과 그가 소중히 생각했던 가족의 얼굴, 일상의 장면, 인물화, 여성의 육체적 표현 등을 통해 ‘인간의 순간 행복’을 감상할 수 있다.

그가 지속적으로 그림을 그리며 삶을 어떻게 찬미하였는지 살펴볼 수 있다.

1841년 2월 25일, 프랑스 리모주에서 가난한 양복재단사의 다섯 아들 중 하나로 태어난 소년 르누아르는 그림그리기를 좋아했다.

그보다 열 살 위이며 문장 조각가인 형 앙리와 역시 조각가인 매형 샤를 르레이를 보면서 역량을 키워나갔다.

1854년 파리 사기그릇 공장 도자기 화공으로 견습생 생활을 시작하면서 저녁에는 그림공부를 하였다. 그곳에서 색채를 익힌 것이 이후 큰 도움이 된다.

그러다가 도자기, 비품, 부채 등의 장식화를 포기하고 화가가 되기로 결심을 한 그는 학비를 스스로 조달해가며 공부를 시작한다.

1862년 글레이르의 아틀리에에 들어가 모네, 시슬레 등을 알게 되고 또한 피사로, 세잔, 기요맹과 오가며 훗날 인상파운동을 지향한 젊은 혁신 화가들과 교류하게 된다.

또한 초기 코모, 들라크루아, 쿠르베 등의 영향을 받았으나 1870년 프로이센-프랑스 전쟁에 종군한 후에는 화풍이 점차 밝아진다.

1881년 이탈리아를 여행하며 라파엘로나 폼페이의 벽화에서 감동을 받은 그는 화풍에 변화를 맞는다.

색감과 묘법(描法)이 크게 바뀌게 된 것이다. 색조로써 선과 포름을 명확하게 그려서 화면구성에 깊은 의미를 쏟은 고전적인 경향을 띤 작품들로 <목욕하는 여인들>(1884~1887) 등을 그렸다.

그후 완전히 인상파에서 이탈하여 재차 독자적인 풍부한 색채표현을 되찾아 원색대비에 의한 원숙한 작품을 확립하였다.

더욱이 1890년대부터는 꽃, 어린이, 여성상 특히 <나부(裸婦)>(1888) 등은 강한 의욕으로 빨강이나 주황색과 황색을 초록이나 청색 따위의 엷은 색채로 떠올리면서 부드럽고 미묘한 대상의 뉘앙스를 관능적으로 묘사하였다.


르누아르의 그림에 등장하는 인물은 한결같이 온화하고 평화로운 미소를 짓고 있다.

또한 그의 화풍도 소박하지만 세밀한 표현이 되어 있어 기품이 넘치고 화려한 장식에는 오묘한 빛이 더해져 있다.

게다가 그의 풍경화는 그림 속을 걸어 들어가 산책하고픈 충동을 느끼게 한다. 여성미를 흠뻑 발산하는 인물화 역시 볼그스레한 볼에 입맞춤 하고픈 열망을 불러일으킨다.

이러한 인상주의 시기의 르누아르 작품에 등장하는 주된 소재는 동시대인의 일상생활이다.

<독서하는 여인> <피아노 치는 여인> <머리 빗는 여인> <바느질하는 젊은 여인> 등 지극히 정적이고 평화스러운 광경에서 카바레나 무도회의 축제, 야외 소풍, 정원에서 그네타기 같은 놀이장면과 여가생활의 모습들은 빛의 시대가 요구하는 새로운 회화의 훌륭한 소재가 된다.

힘들었던 사회현실을 잊게 할 만큼 그의 작품 속 도시인의 삶은 조화로운 일상의 환희에 가득 찬 사람들의 세상이다.

또한 시골의 풍경은 마치 동화 속의 한 장면을 연상케 한다. 그는 스스로 정립한 회화의 본질에 대해 “회화는 벽을 장식하기 위해 존재하는 것이고, 그러기에 그림은 예쁘고 아름다운 것 이어야 한다”는 단순하고 명료한 명제와 철학 위에 작품을 완성한다.

아름다운 그림을 그리는데 필요한 소재로써 세상은 그리 아름답지만 않다.

그러나 르누아르는 보고 싶은 것만을 보고, 그리고 싶은 것만을 그리고, 아름답게 표현할 수 있는 것만을 선별적으로 택한다.

그래서 다분히 의도적이다. 따라서 이 같은 작업관은 르누아르 작품의 일관성을 구축하는 원칙이자 원동력이 된다.

그리고 그 일관성은 그로 하여금 역사의 한 장을 장식할 위대한 작가의 반열에 오르게 한다.


지극히 정적이고 평화스러운 광경에서 카바레나 무도회의 축제, 야외 소풍, 정원에서 그네타기 같은 놀이장면이 르누아르의 작품 소재로 등장한다.

인간의 존엄성을 작업의 바탕에 두고 있기에 르누아르의 작품은 등장인물이 모두 한결같이 작가에게 행복할 권리를 부여받은 듯 묘사돼 있다.

“그림 속에서는 가난한 자는 없다.”

그의 작품 속에서는 어느 누구도 불행하거나 슬프지 않다. 모두 각자의 자리에서 행복하고 기뻐해야만 하는 세계,

그것이 바로 르누아르가 꿈꾸는 세상의 모습이고 그가 그림을 통해 그려내고 싶은 세상의 모습이다.

인간 존엄성을 바탕으로 한 르누아르의 행복론은 어디서 비롯된 것일까. 가족이란 울타리에서 그 답을 찾아볼 수가 있다.

1885년 태어난 첫째 아들과 가족의 존재는 그의 인생에 절대적인 가치를 차지한다.

르누아르는 아내 알린느(Aline)에게 한평생 충실했던 남편이었을 뿐만 아니라 그의 세 아들에게도 둘도 없는 아버지였다.

<개와 함께 있는 르누아르 부인> <광대복장을 한 코코(세째 아들 끌로드의 애칭)> <장미를 든 가브리엘(장의 보모로 가족의 일원이 되어 르누아르의 작품에 다양한 형태로 후반기 작품을 장식하는 여인)> <가브리엘, 장 르누아르(훗날 프랑스의 유명한 영화감독이된 둘째 아들)와 어린 여자아이> 등의 작품이 그것을 말해준다.

따라서 그의 작품 속 소재로, 또한 모델로 끊임없이 등장하는 가족의 모습은 르누아르의 행복론을 지탱해준다.

게다가 가족 사랑을 아낌없이 표현한 수많은 작품들은 그의 그림을 더 친근하게 느끼게 해준다.


“그림 속에서는 가난한 자는 없다”고 말한 르누아르는 가족을 소중히 생각하며 주변인에 대한 관심을 늦추지 않았다.
르누아르 예술에서 중요한 위치를 차지하는 테마는 여성상이다.

인물화가라고 여겨도 과언이 아닐 정도로 평생에 걸쳐 수많은 인물을 화폭에 담아냈다.

수적으로 보았을 때 남성보다 여성의 모델로 그림을 훨씬 더 많이 그렸다.

여성들의 시선, 태도, 모자 옷은 언제나 르누아르 그림을 구성하는 주요 요소들이었다.

<마리-젤리 라포르트의 초상> <앙리오 부인> <보니에르 부인> <모자를 쓴 어린 소녀의 두상> 그리고 <장미를 든 젊은 여인(콜로나 로마노)> 등 르누아르의 초상화 작품들을 보면 그가 모델들에게 진심 어린 찬사를 표현하고 있음을 알 수가 있다.

“만약 신이 여성을 창조할지 않았다면 내가 화가가 되었을는지는 모르겠다”라는 말을 통해 르누아르의 작품에서 여성은 이상적인 미의 실현을 위해 작가가 선택한 회화의 최상의 소재라고 봐도 무방하다.

또한 말기 작품의 주를 이루는 ‘목욕하는 여인 시리즈’와 ‘풍경 속의 누드화’는 미의 실현에 절정을 보이는 작품들이다.

기쁨과 평화가 가득한 꿈의 세계, 이것이 벌거벗은 풍만한 여체를 통해 발견한 이상적인 미의 세계자 그가 다다르고자 했던 또 다른 세상의 얼굴이다.

르누아르는 첫 누드 작품을 그린 지 20년이 지난 1880년이 되어서야 비로소 누드의 완전한 시리즈를 제작했다.

<풍경 속 여인의 누드> <바위에 앉아있는 욕녀> <쿠션에 기댄 누드, 대형 누드> <몸을 닦는 여인> 등이 있다. 이러한 욕녀(목욕하는 여자)들의 세계는 현실과는 거리가 먼 세계며 단지 시각적인 즐거움을 제공하기 위해 존재할 뿐이지만 행복에 대한 희망을 품게 하는 역할을 담당한다 해도 과언은 아니다.


“만약 신이 여성을 창조할지 않았다면 내가 화가가 되었을는지는 모르겠다.” 르누아르는 미적 관념을 여인의 아름다움에서 찾고자 했다.
르누아르는 화상(작품을 판매하는 상인 혹은 기획자)들과 진정한 우정과 존중의 관계를 형성했다.

그는 화상들이 화가들을 보호하기 위해 재정적인 위험도 마다하지 않는다는 것을 파악하고 있었다.

그중 르누아르와 가장 많이 거래를 했던 화상은 가장 대담하고 가장 뛰어난 감각과 직관력을 가진 것으로 이름이 높았던 폴 뒤랑-뤼엘(Paul Durand-Ruel, 1831-1922)이다.

뒤랑-뤼엘에 대한 르누아르의 우정은 그의 자녀 세대에까지 이어져 뒤랑-뤼엘의 아들 중 한 명은 장 르누아르의 대부가 되기도 했다.

르누아르와 뒤랑-뤼엘이 서로 가족만큼이나 끈끈하 유대관계를 유지했다는 사실은 수많은 아이들의 초상화에서도 확인할 수 있다.

무려 1,300여 점이 넘는 르누아르의 작품을 취급했던 인상파 최초의 화상 폴 뒤랑-뤼엘 가족과 함께 앙브루아즈 볼라르(Ambroise Vollard, 1868-1939)와 베르넴-젼느(Bernheim-Jeune) 일가는 르누아르가 작품을 거해했던 주요 화상 셋으로 꼽힌다.

세 사람 모두 돈보다는 작품 자체의 가치를 중요시 한다는 공통점이 있었다.

<바느질하는 마리-테레즈 뒤랑-뤼엘> <폴 뒤랑-뤼엘의 초상> <붉은 두건을 쓴 볼라르> <가스통 베르넴 드 빌레르 부부> 등 작가와 화상의 우정을 증명하는 초상화들도 다수 존재한다.

화상을 모델로 한 작품은 르누아른의 초상화들 가운데 큰 비중을 차지하고 있다.


화상 볼라르는 어느 날 르누아르의 집을 나서다가 작품 <장미> 초안 앞에서 멈추어 섰던 것을 기억한다.

그때 르누아르는 그에게 이렇게 말했다. “누드화 작업을 위해서 피부색 표현을 연습하는 중이야.”

이 말은 르누아르에게 있어서 정물화는 무엇보다도 실험을 위한 수단이었다는 사실을 보여준다.

보르도 미술관 소장 작품인 <딸기>에서는 수많은 붉은 색 계열의 색깔을 사용했다.

모델의 피부에 감도는 은근한 분홍빛에서 장미 꽃잎이 지닌 짙은 와인색까지, 르누아르는 붉은 색을 특히 좋아했다.

정물화와 마찬가지로 풍경화 역시 르누아르의 작품 세계에서 차지하는 비중은 그다지 크지 않다.

1880년 욕녀(浴女) 시리즈를 시작한 이후에 제작된 풍경화들은 대부분 여행에 대한 기억을 바탕으로 그려진 작품 또한 주목해 볼 만하다.

<게르느제의 풍경>과 <마르티그의 해변>은 인상파 분위기의 아름다운 풍경화이다.

이렇게 이번 전시는 세상을 보는 아름다운 눈을 가진 화가, 그림을 통해서 아름다운 세상을 꿈꾼 이상주의적 화가 르누아르가 남긴 세상에서 가장 아름다운 작품을 만나는 행복으로의 여행이다.