벼르고 벼르다 오늘에야 오르세미술관전을 다녀왔다.

나 혼자면 짬짬이 시간 중 어느때고 불쑥 다녀올 수 있지만

애들을 데리고 가자니 내 맘대로 안된다.

아들은 전에부터 엄마 그림 보러 안가냐고 성화인데

문제는 딸이다.

전에부터 친구랑 놀기로 했다느니 시험 공부해야 한다느니 이 핑게 저 핑게 대더니

오늘은 영어 숙제하고 책읽어야 한다고 안가겠단다.

두어번 꼬셔보다

"그래, 가기싫음 가지 마라. 담에 어디가자 말만 해봐라."

아빠하고 딸은 집에서 푸욱 쉬시지요. 아들하고 엄마는 고상하게 놀다 오겠어요.

전시회 시작한 지 꽤 오래되어 그런 지 기다리지 않고 바로 표를 끊었다.

웬일이야.

오르세미술관 소장품들중 밀레, 세잔, 마네, 반 고흐, 고갱, 드가, 르노와르, 피사로, 모네 등

19세기 서양미술을 대표하는 화가들의 작품 44점과 사진 발명 초기의 예술적 사진작품 30여 점도 함께 전시된다.

그림을 설명해주는 시간에 때맞추어 설명을 들으며 관람하여 더 알찼다.

그림 설명들은 웹사이트 소개글 짜 모은 것, 오늘 들은 것 기억해낸 것 두루 섞였다.

마네/ 피리부는 소년  1866 캔버스에 유채 / 161* 97

손과 발 부분을 빼고는 그림자가 전혀 없는 평면적인 묘사로, 인물의 실재감(실재감)을 표출시킨, 마네의 자부심을 읽을 수 있는 대표작의 하나이다.,

검정, 빨강등 몇 개 안되는 색면이 각기 다른 음(음)을 내는 듯한, 이른바 음악적 효과를 겨냥한 점에 주목해야 한다.

배경(배면)처리도 원근법이나 수평 감각(수평감각)을 배제, 종이를 바른 듯 '없어진 배경'인 이러한 단순함이 오히려 실재감을 강조한 효과로 나타나고 있다.

대상을 이와 같은 '공기로 감싸는' 수법은 그가 1865년 마드리드의 프라도 미술관을 방문, 벨라스케즈의 작품을 모사하면서 배웠다는 사실이 마네의 편지에서 밝혀졌다.

<피리 부는 소년>이 1866년 살롱에서 거부되자 소설가 에밀 졸라가 자청해서 변호에 나섰다.

 ( 모델은 마네와 보들레르의 친구 근위대 사령관이 데려온 근위군의 소년병)

소년이 금방이라도 그림에서 빠져나와 피리를 불며 전시장 사람들을 몰고 행진할 것 같이 생생한 그림이었다.

크기도 거의 실물 크기였으니.

모리조 [Morisot, Berthe, 1841.1.14~1895.3.2] / 요람

활동년도 : 1841~1895
어릴 때부터 그림을 좋아하여 J.B.C.코로의 지도를 받았으나, 마네를 알게 되면서 인상파 화가들과 교제하였으며, 1874년에 시작된 인상파 그룹전(展)에 처음부터 참가하였다. 그후 1886년의 제8회전까지, 제4회전(1879)을 빼고 매회 출품하였다.
1874년, 마네의 동생 우젠과 결혼하였으며, 《발콩》 《휴식》 등에서 자주 마네의 작품모델이 되었다. 모리조의 작품은 코로의 감화를 받은 초기의 풍경화로부터 차차 인상파의 밝은 색조로 바뀌어갔으며,집 안팎의 가정적 정경이나 정물화를 자유롭고 경쾌 한 필치로 그려, 섬세하고 감미로운 감각을 나타내었다.
수채화에도 뛰어나서 유화 못지않은 경쾌하고 멋있는 가작들을 남겼다.
그녀의 완숙한 붓터치와 색채의 활용은 17세기 궁정화가 벨라스케스의 화풍을 연상시킬 정도이다. 세부 묘사의 정확함과 함께 다루기 어려운 포우즈를 빈틈없이 잡아내는 모리조의 솜씨는 인상파 그림이 보여 주려 하는 모든 것을 화면위에 펼쳐 놓고 있다.
모리조의 양식은 그녀의 증조부에 해당하는 로코코의 대가 프라고나르에서 출발하여 코로를 거쳐 마네로 이른다. 그녀는 인상파전에 꾸준히 출품함으로서 인상주의자들과의 활발한 교류활동을 보였으며, 화법에 있어서도 전통적인 인상주의를 고수하였다.

성모자상 그림보다 현실적인 모성애가 느껴진다.

근데 한국적인 정서와는 좀 안 어울린다.

아기 엄마가 저렇게 차려입고 아기를 들여다 보다니.

우린 순면 티셔츠 차림에 팔베개하고 끌어안고 재우는데 말이다.

유모가 아기를 키우나?

마네가 그린 모리조의 초상화이다.

베르트 모리조는 인상주의화가인데 마네의 동생과 결혼하였다.  유부남이었던 마네와 사랑에 빠졌다던데..

마네의 곁에 있기 위해서였을까? 결혼을 마네의 동생과 한다.

마네 특유의 검은색이 돋보이는 그림이라고 한다.

오르세 일본전 당시에 입장권과 포스터로 사용되었다고 한다.

'인상파 대가들의 사랑과 예술'이란 책 한번 읽어봐야지.

피에르 오귀스트 르누아르, <줄리 마네>, 1887

캔버스에 유채, 65x54cm

마네의 동생과 모리조 사이에 태어난 딸이다.

부모가 사망하자 말라르메와 르누와르가 소녀의 후견인이 되어 주었다.

르누아르는 그림을, 말라르메는 글과 일기를 가르쳤는데

이 소녀가 쓴 일기가 인상파 화가를 이해하는데 큰 자료가 된다 한다.

일기 내용이 어떤 내용이냐하면

오늘은 르누와르 아저씨가 오셔서 바닷가에서 산책을 하고

어제는 마네 큰아버지가 오셔서 같이 놀아 주시고 ...그런 일상이었단다.

이 설명을 듣는 대목에서 모두들 입을 쩌억 벌리며 부러워 하였다.

넌 아빠 닮았나보구나.

빈센트 반 고흐 / 아를의 반 고흐의 방

1888년 10월 유화 56*74cm

아를르 시대에서 노란 조그만 집으로 옮겨간 후, 그 집을 예술가의 집으로, 또는 예술가들의 공동 생활의 터전으로 고흐는 꿈꾸고 있었다.
실내에는 그의 취향에 알맞는 몇 가지의 가구를 볼 수 있다.
이것들은 그가 의도적으로 성격이 있는 분위기로 꾸미고 싶었던 생각을 읽게 하여 준다.
침대도 쇠침대가 아닌 농부들이 쓰던 건장하고 커다란 것으로 고르고, 의자 역시 무뚝뚝한 농부용의 것으로, 벽면에는 자화상을 비롯하여 수점의 그 자신의 작품이 걸려 있고, 그의 가구다운 가구가 없는 소박한 침실은 고흐의 성격과 가난한 아를르 시대의 생활을 그대로 반영하고 있다.
아를르 시대의 그는 빨강, 노랑, 초록, 파랑, 보라, 주황 여섯 색의 기본색을 아름답게 대비시키고, 또는 조화시켜 나갔는데, 이 화면도 그런 기초색을 바탕으로 하고 있으나, 비극 직전의 불안감이 감돌고 있다.
"Van Gogh" /서문당/정문규 저/ 에서.. 옮김.

우리 아들이 제일 인상깊은 그림이란다.

"왜? "라고 물었더니  " 너무 쓸쓸해보여. " 라고 하였다.

어린애도 어린애 수준에서 보는 눈이 있다.

고흐의 일생 자체가 쓸쓸함과 외로움 덩어리인 걸 아들이 알기나 하는 걸까......

클로드 모네는 일찍이 '눈'이라는 소재에 매료되었는데, 그것은 노르망디에 머물며 아름다운 눈 풍경을 여러점 그린 쿠르베의 영향을 받았던 까닭이었다. 눈의 특성을 표현하기 위해서는 눈 위에서 반사되는 빛의 변화를 연구해야 했다 모네는 눈 덮인 길을 흰색으로만 처리하는 대산 색조의 미묘한 차이를 한껏 활용해 푸른색의 반사광이 감도는 바닥을 무지개 빛으로 채색했다.

바지유는 날씨가 그다지 좋지 않았음에도 불구하고 '눈'이란 소재에 매달려 작업하던 모네를 회상하며 "딱 한번 모네를 알아본적이 있었다.그때는 겨울이었고, 며칠동안 계속해서 눈이 내려 통신이 거의 단절된 지경이었다. 온몸이 꽁꽁 얼어버릴 만큼 살을 에는 추위속에서 소형 난방기와 이젤을 들고 상의를 세 겹이나 껴입은 한 남자가 눈에 띄었다. 바로 눈의 효과를 연구하던 모네였다." 바지유의 이 기억 속에서 모네가 엄청난 추위에도 불구하고 결국 완성해낸 작품이 바로 '옹플뢰르의 눈 덮인 길 위의 수레'일 것이다.

글출처 :GNC 미디어

이미지가 아무리 선명하게 나온다 하더라도 원화를 재생할 수 없다는 걸 알게 해주는 작품이다.

그 오묘한  푸르스름한 반사광이 화면에서는 지저분한 눈길로 보인다.

앙리 루소

오늘 본 그림은 이 그림이 아니다.

아무리 검색해도 M부인의 초상은 안나온다.

이 그림 뒤집으면 된다.

사람은 크게, 열대 식물은 작게, 드레스는 검정 드레스로

세관원으로 일하다 마흔에 그림을 시작했다는 대목에 눈과 귀가 번쩍 띄었다.

그리는 것 자체를 즐겼고 사랑했구나.

오늘 전시회에서 처음 안 사람인 데 이런 스타일 그림 별로 안좋아하지만

마흔에 그림을 시작하고 아마추어 화가였다는 게 기억에 남는다.

 

 장 프랑수아 밀레 / 만종 / 1857-59년 / 캔버스에 유채 / 55.5* 66

 

내 가슴이 가장 뛰었던 작품이다.

설명이 필요없는 작품이다.

박수근 화백은 12살 때 인쇄도판의 이 그림을 보고 화가가 되기로 작정했다 한다.

나는 이 그림을 보고 이 전시회 오길 정말 잘했다 생각했다. ^^

아래 글을 인용하며 오늘 오르세 미술관 여행을 마칠까 한다.

 

 

글 | 정장진(미술평론·문학평론가)

 

밀레의 <만종>이 한국에 왔다. 4월 초부터 9월 중순까지 서울 예술의 전당에서 계속될 파리 오르세 미술관의 명작전에 밀레의 <만종>이 들어있다. 이 번 전시회에는 이외에도 마네의 <피리 부는 소년>, 반 고흐의 <아를의 침실>, 고갱의 <타이티 여인들> 등 교과서에서 흔히 보던 명작들이 포함되어있는데 한꺼번에 이렇게 많은 명화들이 한국을 찾아온 것은 아마도 흔치 않은 일이고 앞으로도 자주 찾아오지 않을 것이다.

미술 전시회는 특정 주제를 중심으로 열리는 것이 정상이지만 아직 한국의 상황에서는 기대하기 어려운 것이 사실이다. 작품 임대료, 대관료, 보험료 등은 물론이고 기획비와 각종 부대비용을 염두에 두지 않을 수 없는 것이 전시회이고 보면 ‘19세기 전반의 풍경화’라거나 ‘20세기 초의 표현주의 미술’ 같은 전문적이고 아카데믹한 전시회는 관람객들을 많이 모을 수 없어 기획하기가 거의 불가능하기 때문이다. 특히 서양화 전통이 100년 남짓한 한국은 근대, 현대, 컨템퍼러리 등이 동시에 한꺼번에 발달했기 때문에 특정 장르나 주제를 선정한 전시회가 그리 의미 있는 것만도 아니다.

많은 이들이 말 그대로 구름처럼 몰려와 전시실을 가득 채우고 있다. 물론 가장 인기 있는 그림은 <만종>이다. 조금 심하게 이야기 하면 밀레의 <만종>을 보기 위해 많은 사람들이 전시회를 찾아 온 것인지도 모른다. 하지만 원작을 처음 보는 이들은 우선 조금 실망한 듯한 반응을 보인다. “아니, 이렇게 작은 그림이었어…….” 사실이 그렇다. 가로 세로가 66cm, 55cm 밖에 되지 않는다. 또 액자에 유리까지 끼여있어서 정면에서 보기도 어렵다. 그림을 보는 사람들의 그림자가 액자에 어리기 때문이다. 그러나 모든 것에도 불구하고 이 그림 앞에는 많은 사람들이 모여있고, 설명을 들려주는 도슨트도 가장 신이 나서 이야기를 들려준다.

<만종>은 작은 크기에도 불구하고 왜 이렇게 유명해졌을까? 아니 그 전에 유명한 그림과 그림의 미학적 가치는 과연 일치하는 것일까? 어쩌면 많은 이들이 <만종>앞에서 속으로 이런 질문들을 되뇌였을 것이다. 레오나르도 다 빈치의 <모나리자>나 로댕의 <생각하는 사람>과 함께 세계에서 가장 유명한 예술 작품 중 하나임에 틀림없는 <만종>은 사실 그림 그 자체보다는 광고, 캐릭터 상품, 캘린더 등에 자주 사용됨으로써 유명해졌고, 우리 나라에서는 이른바 ‘이발소 그림’으로 알려질 정도로 사진이나 허술하게 복제된 그림들을 통해 알려진 작품이다. 그러니까, <만종>은 누구나 다 알고 있는 그림이면서 동시에 미학적 의미에 대해서는 실제로는 많은 사람들이 잘 모르는 그림인 것이다. 이런 사정은 프랑스도 마찬가지여서 흔히 ‘거의 아무도 거들떠 보지 않는 명작’ 리스트에 올라가 있는 대표작 중 하나다.
 
1859년에 그려졌으니 150여 년 전의 작품이다. 이 작품이 그려진 당시만 해도 국립미술학교인 에콜 데보자르를 나온 아카데미학 화가들이 화단을 장악하고 있어서 밀레 같이 지방에서 올라온 화가들은 전시회에 출품을 해도 낙방을 밥 먹듯이 해야만 했다. 오죽하면 떨어진 작품들만 모아 ‘낙선전’이라는 전시회가 열리기도 했고, 신문 지상에는 당시 그렇게 고배를 마신 화가 지망생들을 풍자하는 만평이 실리기도 했다. 인상주의 전은 이런 풍자의 단골 손님이었는데, “임산부는 관람을 삼가 해주세요”라는 글과 함께 경찰관이 막 전시실로 들어서려는 임산부를 제지하는 그림이 실릴 정도였다.

<만종>은 이런 정도로 조롱을 당한 그림은 아니다. 그러나 신화화나 성화도 아니고 역사화도 아닌 이 그림은 이름없는 가난한 시골 사람을 그린 인물 설정에서부터 문제가 많았고 게다가 바르비종이라고 하는 파리 남부의 시골에 살며 직접 야외에서 그려진 작품이었기 때문에 이것도 문제였다. 어쨌든 우여곡절 끝에 밀레가 <키질 하는 남자>를 시작으로 서서히 명성을 얻어가자 미국 사람이 <만종>을 구입했고 이어 파리에서 백화점을 경영해 큰 돈을 번 프랑스인이 다시 사들였다. 이 과정에서 우여곡절이 많았고 신문기자들이 이 과정을 마치 중계방송 하듯이 신문에 크게 보도하면서 <만종>은 유명해졌다. 밀레의 그림들은 판화로 제작되어 복제화가 범람했고 반 고흐 역시 이런 복제화를 보며 밀레의 그림들을 복제하곤 했다.

한 가난한 농부 부부가 감자를 캔 다음 늦은 오후 들려오는 종소리, 즉 만종에 맞추어 경건하게 기도를 올리고 있다. 밀레는 어린 시절 할머니가 밭일을 끝내고 늘 그렇게 했던 기억을 떠올리며 그림을 그렸다고 한다. 그러니까, 당시 사회주의자들이 믿었던 것처럼 가난한 농부들의 삶을 찬양하기 위해 그려진 그림이 아니었던 것이다. 프랑스로 유학을 갔다 온 일본 사람이나 화가들에 의해 일본에도 널리 알려졌고 일제 강점기 동안 한국에서도 유명해지기 시작했다.
그림은 가난한 농부 부부를 통해 보잘것없는 수확에도 감사하는 경건함과 소박한 생활을 묘사하고 있다. 배경의 드넓은 들판과 그 끝의 성당 그리고 들판을 물들이고 있는 석양이 마치 은은한 종소리처럼 느껴지는 묘사 등이 이 그림에서 눈 여겨 볼 부분들이다.

이 외에도 이번 오르세 전에서는 마네의 <피리부는 소년>과 반 고흐의 <아를의 침실>이 특히 볼만한 작품들이다. 마네의 작품은 한 부대의 어린 마스코트를 그린 것인데, 에스파냐 풍의 거칠고 대담한 붓질(지금은 그렇게 볼 수 없지만, 당시로는)과 많은 화가들이 피했던 검은 색을 과감하게 사용한 점, 그리고 무엇보다 배경이 생략된 점 등이 이 그림을 현대회화의 시작을 알리는 작품으로 간주하게 했다. 반 고흐의 <아를의 침실>은 광인 화가가 프랑스 남부 아를에서 화가들의 공동체를 꿈꾸며 고갱을 기다리던 유명한 노란 집의 실내를 그린 것이다. 침실 안의 모든 사물은 보잘것없는 투박한 집기들에 지나지 않는다. 그러나 반 고흐는 모든 물건들의 그림자를 제거했고, 과장되고 왜곡된 원근법을 통해 마치 살아있는 사물들처럼 만들어 놓았다. 그래서 마치 의자도, 침대도 액자도 모두 마술에 걸린 것처럼 보인다. 게다가 굵은 윤곽선은 사물들이 꿈틀대는 것 같은 효과를 내고 있다. 반 고흐에게는 눈에 보이는 모든 사물들이 살아있는 것들이었던 것이다. 이 예민한 감수성은 그의 생명을 갉아먹는 치명적인 것이었다.

이번 오르세 명작전은 아이들과 함께 꼭 보아야 할 전시회다. 미술 교과서에 나오는 그림들이기 때문에도 그렇고, 또 한국에서 이 많은 원작들을 대하기가 쉽지 않아서이기도 그렇지만, 무엇보다 19세기 후반 현대 미술이 태어나기 직전, 고전주의 미술이 전체적으로 회의되기 시작하는 과도기의 미술품들이기 때문이다. 다시 말해 이번에 온 작품들을 잘 이해하면 고전주의 미술도 그리고 20세기 현대미술도 모두 이해할 수 있는 것이다.

더 이상 설명이 필요없는 우리 나라 사람들에게 가장 사랑받는 작품이다.

 

전시 작품 List
 
<작품/화가>
1. 만종/장 프랑수아 밀레
2. 양떼가 있는 풍경/샤를 자크

Charles Jacque
Troupeau de mountons dans un paysage
1860-61, Oil on Canvas, 176×280Cm
3. 오르페우스/퀴스타브 모로
4. 프레데릭 바지유/피에르 오귀스트 르누아르
5. 콩다민 가에 있는 바지유의 아틀리에/프레데릭 바지유
6. 그림을 그리는 클로드 모네/피에르 오귀스트 르누아르
7. 데레즈 드가/에드가 드가
8. 제비꽃 장식을 단 베르트 모리조/에두아르 마네
9. 피리 부는 소년/에두아르 마네
10. 오페라 좌의 관현악단/에드가 드가
11. 줄리마네(고양이를 안고 있는 아이)/피에르 오귀스트 르누아르
12. 요람/베르트 모리조

13. 사를로트 뒤부르/앙리 팡탱
14. 실내풍경/클로드 모네
15. 옹를뢰르의 눈 덮힌 길위에 수레/클로드 모네
16. 홍수 때의 나룻배/알프레드 시슬레
17. 아르장퇴유의 강가/클로드 모네
18. 빨간지붕, 시골마을의 겨울청취/카미유 피사로
19. 양산을 쓴 브르타뉴의 여인들/에밀 베르나르
20. 아를의 무도회장/ 빈세트 반 고흐
21. 아를의 반 고흐의 방/빈세트 반 고흐
22. 황색의 그리스도가 있는 화가의 자화상/폴 고갱
23. 귀스타브 제푸르아/폴 세잔
24. 푸른화병/폴 세잔
25. 타히트이 여인들(바닷가에서)/폴 고갱
26. 아이와 여인이 있는 실내/폴 마테
27. 온실에서/알베르 바를톨 로메
28. 무도회/제임스 티소
29. 사교계의 밤/장 베로
30. 키잡이/테오 반 리세 베르그
31. 레장들리의강둑/폴 시냐크
32. 저녁의 미풍/앙리 에드몽 크로스
33. 우물가의 여인들/폴 시냐크
34. 트로카데로에서 바라 본 에펠탑/루이스 웰덴 호킨스
35. 파리의 생미셸가와 노트르담 성당/막시밀리앙 뤼스
36. 장갑 낀 여인, 오도린 플라체르/앙리 드 툴루즈 도트레크
37. 드가와 그의 모델/모리스 드니
38. 일상생활/피에르 보나르
39. 아침식사/에두아르 뷔야르
40. 휴식/빌헬름 함메르쇼이
41. 카드놀이/펠릭스 발로통
42. M부인의 초상/앙리 루소
43. 세일러복을 입은 아리 르동의 초상/오딜롱 르동
44. 파란 바지를 입은 아이/모리스 도니